這是全世界已知最古老的等身人形雕像之一，在距今約1萬年前的約旦——安·加扎勒人形雕像。可以直立，兩腳分離，微微的臀部，石膏做的，骨架可能是蘆葦那類的植物，眼睛是瀝青。 我仰頭正對著他，像是看到自己孑然一身的透明感，這是與希臘羅馬雕像對視時沒有的感受。意思是帶有一種恐懼，有點像是當年站在一望無際的蒙古大草原看夕陽似的，不只是空間感而已。 我拍了他的各個角度，也選了這張與羅浮宮海報接近的，只是因為不想虛擲親身對視的體驗。

在羅丹尚未成為「羅丹」之前，那些濕潤、模糊而安靜的風景，很吸引我。 而站在他後來的雕塑之前，我陷入不對稱的肌肉、重量與血肉線條之中，我就不是我了。 （羅丹早期風景畫，約 1871–187）

在畢卡索博物館遇見莫迪里亞尼的作品，以前應該有見過，總是整齊的頭髮，以及那個眼神，畫家謹慎的筆法。想再見更多的她，會需要去倫敦及紐約。

這是高更，在奧賽美術館有不少他的作品，很熱的疏離感。

我在羅浮宮裡遇到的維納斯。 身體扭轉的方式很美，陽光與陰影讓肌肉線條像有溫度。如果她剛出浴，這樣的光應該很舒服吧！遠遠看著是種享受。 源自古希臘晚期雕塑傳統（約西元前3世紀），現存為古羅馬時期的大理石複製品。

在故宮南院「甲子萬年-百年院慶特展」，親眼見到郭熙的早春圖，想像的價值遠高於親眼所見，畢竟一張薄絹承受近千年的歲月很不容易，看不太清楚也夠棒的了。 我喜歡經意與不經意，忽快忽慢的筆刷，在一點一捺之間，身體與手及絹面的精巧協調。最讓我著迷的是遠中近景在2D 平面的鋪陳，所創造擠壓的空間感。 想像，總是可以帶來更多的感受。這是一幅可以凝視幾世的山水畫。

The Dog Days Are Over 2.0 是 Jan Martens 的再版舞蹈作品，相較 2023 年來台的那個企圖分裂的作品更加讓我驚艷，很喜歡。 70分鐘內8位舞者不停地跳躍，透過跳躍的位移，在視覺上形成跑步的、衝刺的，競賽的、落後的，還有快累死的喘氣聲，不時的數數字聲響在表示存在與一致性，透過短暫的音樂來流動時間，燈光的明滅來映照身體的反光，球鞋在舞台地面製造的摩擦聲響與人體重力創作的聲音，形成有趣及有意義的音效。 最後是舞者一一跳躍到力竭的段落，我看到崩塌的身體，男的、女的，看到汗水與和我一樣跑步跑到快死掉時的表情。然後我想，這是藝術、是美，也是享受吧！

我喜歡奈良美智「跟著朦朧潮濕的一天去金瓜石」10年巡展在這樣的空間。那些 Fuck you 的一切，在配備新冷氣的舊台電大樓裡，面對陰陽海即將迎來俄羅斯地震海嘯，晴空與美麗海景、蜿蜒山路，映襯天真臉龐厭世眼神，即便有些溫柔畫風有些懷舊的木橫擔再生家具，仍難掩一股憤世嫉俗的心情。

《印象派—從莫內到美國：光・跨越海洋》在富邦美術館展出，我很喜歡這次的策展。 其中最喜歡的作品是「百頁光影前的女子」，1898年埃德蒙・查爾斯・塔貝爾的畫作。右邊是左邊那幅畫的草圖是光影的實驗，左邊是右邊的裝飾與故事。很喜歡這樣的陳列。

在故宮北院的畫展〈從印象派到現代主義──美國大都會博物館名作展：羅伯特・雷曼收藏〉，說實話還是有點小失望。看來真正精彩還是得出國看。 這次展覽有其中一個主題是裸女，其中這幅亨利・馬諦斯（Henri Matisse）1920年的《扶手椅上的裸女》（Nude in an Armchair / Nu au fauteuil），因為色彩蠻美的，還是紀錄一下。 馬諦斯作為野獸派代表人物，重視色彩與構圖的表現性。在這幅畫中，他用慵懶的人體姿態搭配裝飾性筆觸，模糊了空間深度，彷彿身體也可以隨意躺在柔軟的紅毯上。 從鬆垂右臂與肩頸的柔線，過渡到左側胸腹的弧度，再延伸至近景的大腿與地毯紋理，整體營造出一種近距離、半私密的凝視場景──她在想什麼？畫家又在想什麼？而那厚重巴洛克畫框則像在提醒觀者：別想太多，這不過就是一幅畫。

起初只是因為期待可以看到美麗的肢體動作；這下看完後得到更多。狀似不規則不線性的混亂常常是更高明的雕琢。「uncommon ground」就像是不可能的任務般相當有挑戰。

昨天看了西班牙佛朗明哥舞卡門 我很喜歡他們的顏色與誇張的服飾 散場謝幕前歡樂的舞蹈 各種表達情緒的姿態 昨天也是915倒扁圍城之夜 中正紀念堂旁以及周邊的捷運站 擠滿了與卡門和玫瑰一樣紅的紅衣人 中正紀念堂的廣場上此起彼落的口號聲 一如佛朗明哥舞演唱者的隨興與舞者和節拍的一致性 繼綠色藍色紅色橘色之後 紅色再次以不同意義浸泡在具備人民意志與政治意義的染缸中 而一群人的意念本來就是不會純粹的